Für zeitgenössische Künstler geht es bei Trompe L'Oeil um viel mehr als nur darum, das Auge zu täuschen

In seiner Naturgeschichte berichtete Plinius der Ältere über einen Kunstwettbewerb zwischen zwei Künstlern. Dem antiken Werk zufolge malte Zeuxis Trauben so realistisch, dass Vögel versuchten, sie vom Weinstock zu pflücken. Doch als er versuchte, den Vorhang beiseite zu ziehen, der das Werk seines Konkurrenten Parrhasius verbarg, entdeckte er, dass der Vorhang selbst das Gemälde war: Zeuxis hatte möglicherweise getäuscht die Vögel, aber Parrahasius hatte seinen Mitmenschen getäuscht.

Diese malerische Illusion wurde als Trompe l'oeil bekannt und zielte darauf ab, „das Auge durch verschiedene Bildtechniken und optische Effekte zu täuschen, die eine visuelle Ablenkung ermöglichen, an der der Betrachter aktiv teilnimmt“, erklärte María Eugenia Alonso, technische Kuratorin von „Hyperreal: Die Kunst des Trompe l'Oeil“, das letztes Jahr im Nationalmuseum Thyssen-Bornemisza in Madrid zu sehen war. Diese Technik ermöglicht es dem Betrachter, eine Reihe von Erlebnissen zu erleben, sagte sie: „von der ersten Täuschung bis zur endgültigen Entdeckung, dass er getäuscht wurde.“

Künstler der Renaissance, die ihren Plinius kannten, ahmten die Technik nach, doch erst im Holland des 17. Jahrhunderts wurde Trompe l'oeil zu einem eigenständigen Bildgenre, das bis weit ins 19. Jahrhundert hinein gepflegt wurde. Obwohl es damals in Europa in Ungnade fiel, wurde es im selben Jahrhundert von nordamerikanischen Künstlern wiederbelebt und wird auch im 21. Jahrhundert von Künstlern mit unterschiedlichen Auswirkungen weiterhin verwendet.

Wir möchten vielleicht glauben, dass wir uns nicht so leicht täuschen lassen wie die alten Griechen, aber im Zeitalter der von KI geschaffenen Kunstwerke und Deep Fakes ist das nicht unbedingt der Fall. Tatsächlich versuchen Künstler, die heute mit Trompe l'oeil arbeiten, vielleicht nicht absichtlich, uns zu verwirren, sondern ermutigen uns vielmehr, die Welt um uns herum genau zu betrachten und zu hinterfragen, was wir sehen.

Der Maler Daiya Yamamoto verbindet das Erbe flämischer Meister mit der Reinheit japanischer Ästhetik, um exquisite, minimalistische Werke zu schaffen. In einer kürzlichen Einzelausstellung in der Galerie Taménaga konzentrierten sich seine fotorealistischen Arbeiten oft auf Themen, die konventionell nicht als attraktiv gelten: ein Gartengerät oder Blumen in der Knospe statt in voller Blüte zum Beispiel. Das Ergebnis ist erhaben, als wäre es auf die Leinwand geklebt oder an einer dünnen Schnur aufgehängt.

In „mt masking tape“ (2020) gelingt es Yamamoto sogar, Streifen Eau de Nil-Klebeband in ein Werk von erstaunlicher meditativer Schönheit zu verwandeln. Der Raum um das Motiv herum ist immer ein wichtiger Teil der Komposition. Er gibt Raum für die Betrachtung der Objekte, die er mit so bemerkenswerter Detailliertheit wiedergegeben hat, und ermutigt uns, unsere Vorurteile darüber, was bewundernswert ist und was nicht, zu hinterfragen.

Auch im Werk des deutschen Malers Jochen Mühlenbrink taucht Klebeband auf: glänzendes, braunes Paketband. In einem Spiel mit der Tradition des 17. Jahrhunderts, die Rückseite des Gemäldes realistisch darzustellen, bemalt Mühlenbrink sein Paketband, das Luftpolsterfolien zusammenhält, die scheinen, als wären sie um eine Leinwand gewickelt. An anderer Stelle ist es in zufälligen abstrakten Mustern angeordnet.

In Werken wie WP (2023), Teil einer aktuellen Einzelausstellung bei Gether Contemporary, verwandelt Mühlenbrink die Leinwand in ein beschlagenes Fenster, komplett mit von Fingern gezeichneten Graffiti; Die entstehenden Tropfen scheinen das beschlagene Glas zu durchschneiden, während sie an der Scheibe heruntergleiten. Sie sind so phänomenal lebensecht, dass sogar die Kollegen und Galeristen des Künstlers getäuscht wurden, aber bloße Täuschung sei nicht sein Ziel, sagte er zu Artsy – es ist die Distanz zwischen Malerei und Betrachter, die die Aufhebung des Glaubens ermöglicht, die ihn fasziniert.

„Je nach Maßstab hat man einen bestimmten Abstand, wenn das Gemälde ‚Stopp‘ sagt. „Wenn man näher kommt, fängt man an, hinter die Kulissen zu blicken, man wird in die Details hineingezogen, aber man sieht die Komposition nicht mehr in seinem Sichtfeld“, sagte Mühlenbrink und bemerkte, dass sie die Magie seiner Werke voll und ganz würdigen konnten persönlich gesehen werden.

Josephine Halvorson, die sich immer als Stilllebenmalerin betrachtete, sagte, dass das Trompe-l'oeil sie schließlich „gefunden“ habe. „Als jemand, der das Leben malt, war es immer mein Ziel, die Erfahrung des Da-und-da-Seins in ein Gemälde zu übertragen“, sagte sie. Halvorsons Werk umfasst eine Reihe von Fenstern und Türen, die im gleichen Maßstab wie die Architektur der Villa Medici geschaffen wurden, wo sie an einem Aufenthalt an der Französischen Akademie teilnahm.

Für Halvorson geht es beim Trompe l'oeil „nicht um Illusion, Täuschung oder Betrug. Es geht vielmehr darum, etwas kennenzulernen, sich durch Nähe, durch Berührung, durch genaues Hinsehen und durch Beschreibung dafür zu sensibilisieren. „Mit anderen Worten, es handelt sich um eine Art Übungsgelände, um durch die einfache Praxis des Schauens zu erkennen, was real ist“, sagte der Künstler, dessen Arbeiten in Einzelausstellungen im ICA Boston und im Storm King Art Center gezeigt wurden. „Ich näherte mich meinen Motiven, um mich für ihre Oberflächen zu sensibilisieren, in der Hoffnung, das in den Objekten selbst eingebettete Leben zu entdecken.“

Die aufstrebende, in London lebende Malerin Anne Carney Raines verfolgt einen ganz anderen Ansatz und nutzt ihren Hintergrund in der Malerei von Theaterkulissen, um sich mit der Künstlichkeit der Bildebene und vielleicht auch unserer eigenen Existenz auseinanderzusetzen. In Interviews hat Carney Raines darauf hingewiesen, dass in unserem Alltag viel Theater passiert, sei es politisch, in den sozialen Medien oder bei der Umsetzung von Fake News. In Gemälden wie Whiskey Throttle (2022) oder The Duck (2023) schafft sie traumhafte Szenen, in die der Betrachter geradezu hineingreifen muss.

Durch seinen Fokus auf die Natur der Darstellung bietet Trompe l'oeil auch eine neue Sichtweise auf andere kunsthistorische Strömungen. Beispielsweise wurde in einer aktuellen Ausstellung im Metropolitan Museum of Art der Einfluss dieser faszinierenden Technik auf den Kubismus untersucht und die Ideale und Ziele dieser beiden Traditionen verglichen. Dieser Einfluss wirkt sich auch auf zeitgenössische Künstler aus: Der Kubismus hat großen Einfluss auf Isidro Blascos Trompe-l'oeil-Konstruktionen, die aus mehreren fotografischen Bildern desselben Raums bestehen.

Wie ein kubistisches 3D-Gemälde bricht ein Werk wie Breuer (2018) von Blasco sein Thema auf und setzt es neu zusammen, sodass wir es aus zahlreichen Perspektiven betrachten können, die sich seltsamerweise eher wie eine realistische Wahrnehmungserfahrung als wie eine einzelne Ebene anfühlen können . „Man kann ein Objekt betrachten und viele verschiedene Rückmeldungen dazu erhalten. „Man sieht nicht nur eine Sache“, sagte Blasco zu Artsy. Da unser aktueller Geisteszustand und vergangene Erfahrungen immer Einfluss darauf haben, wie wir uns auf einen Ort oder ein Objekt beziehen, „spiegelt der Kubismus etwas besser wider, was wir wahrnehmen, wenn wir unsere Augen öffnen“, sagte er.

Während zeitgenössische Künstler weiterhin die Ästhetik des Realismus in Frage stellen – und tatsächlich, was real ist und was nicht – ist Trompe l'oeil immer noch eine der wichtigsten und überzeugendsten Techniken im Werkzeugkasten eines Künstlers.